Изложбата на Александър Китаев в Центъра за фотография „Братя Люмиер“ беше истинско събитие в културния живот на Санкт Петербург. Китаев е един от водещите фотографи на Санкт Петербург, организатор и куратор на многобройни проекти, а отскоро и историк на фотографията. В историята на фотографските записи на Санкт Петербург от времето на Иван Бианки до наши дни той безспорно заема своето място със създаването на неповторимия образ на ГРАДА. Основната и любима тема на Китаев – Санкт Петербург – за първи път е представена в такъв голям мащаб. Изложбата включва 130 оригинални творби на художника, създадени в продължение на четвърт век.
Луната. 1995 г.
Александър Китаев в интервюта през годините:
„Съществува такова понятие като „мултитаскер“, т.е. човек, който владее повече от една професия. Когато става дума за фотография, аз съм малко „многозадачен“.
„Моето професионално кредо е резултат от дългогодишния ми опит: „Никога не правете това, което се търси днес“. Смятам модерността за ред, за насилие над свободното творчество, което трябва да реагира само на вътрешните движения на душата“.
„В един момент осъзнах, че фотографията е погълнала всичко останало в мен, че освен червени и бели кръвни частици, съставът на кръвта ми включва и светлочувствителни сребърни халогениди и че не съм жизнеспособен без постоянното им усещане, че фотографията се е превърнала в мой начин на живот, в начин на възприемане и общуване. Беше около 1987 г.“.
„Фотоапаратът трябва да бъде продължение на ръката и да освобождава главата, за да се потопи изцяло в създаването на изображението.“.
„… Санкт Петербург е вечен за мен и аз се опитвам да уловя неизменната духовна същност на този град като човек. Тази личност е противоречива.“.
„Портретите никога няма да изчезнат, защото всеки на тази планета се интересува предимно от себе си, от обстоятелствата, които му се предлагат, или от обстоятелствата, които се предполага, че. Друг е въпросът, че портретът не е подходящ за изтънчените интелектуални и формални постмодерни игри на днешното изкуство. За много артисти сега е важно да изкрещят колкото се може по-силно „Аз съм“!!!“. И дори не го интересува дали има ехо. В портрета художникът винаги е на второ място, а персонажът – на първо. А портретът е адресиран поне до утре. А портретът включва поне овладяване на занаята, училището. А за съвременното изкуство нищо от това не е „релевантно“. Ето защо много художници днес не правят портрети. Но аз съм в ариергарда. За мен „значимост по отношение на изкуството е ругатня.
Александър Китаев.Снимка: Станислав Чабуткин.
Леден нанос на река Мойка. 2003 г.
– Александър, през последните години рязко ограничихте изложбената си дейност; самостоятелните ви изложби станаха рядкост, като почивка. В какво се превърна тази изложба за вас??
– Наистина имаше време, когато имах по няколко самостоятелни изложби годишно, без да споменавам десетки групови изложби. Направих и отпечатах много снимки и исках хората да видят плодовете на моя труд. Сега все повече се занимавам с историята на фотографията и преподаването. Все по-малко време за организиране на собствени изложби. Но ако ми предложат изложба и условията са приемливи, приемам. Настоящата изложба е съставена от няколко серии и цикли от фотографии, направени в миналото. Всяка от тези серии по някакъв начин е била крайъгълен камък в живота ми, но никога не са били излагани заедно. Изложбата трудно може да се нарече обобщение, а по-скоро ретроспекция.
– Вие със сигурност сте един от най-известните Български фотографи. Приятна ли е подобна популярност и как се получава тя??
– Терминът „известен“ едва ли се отнася за фотограф. Хората зад обектива рядко са по-известни от тези пред него. Може би това е естеството на професията. Не може да не си спомним за архитектите? Техните произведения на изкуството са винаги пред очите ни, всички им се възхищаваме и им се наслаждаваме, но много малко хора помнят лицата им или имената на техните създатели. Същото е и с фотографите: те осветяват и осветяват света около себе си, но почти винаги остават в сянка. Така че можем да говорим само за една много ограничена значимост, т.е. значимост в рамките на определен кръг от хора, чиято професионална дейност по един или друг начин е свързана с „потреблението“ на фотографията.
Фактът, че съм, както се изразихте, „известен“ в определен кръг , според мен има две съвсем обективни причини. Занимавам се с фотография от много дълго време и през това време настъпи естествена смяна на поколенията. И във всяка общност или професия винаги трябва да има авторитетна фигура, която да ръководи. Ето защо тези дни не правя портрет. Така че не става дума за моите специални таланти, а просто за това, че съм запазил първоначалния си творчески импулс и усещането за себе си като автор, като малка брънка в безкрайната фотографска щафета. Друг аспект също е свързан с времето. В началото на XXI век, с появата на новите фотографски технологии, милиони хора по света се занимават с фотография. Много от тях искат да усъвършенстват хобито си и търсят някой, от когото да се учат и да бъдат напътствани. Много хора харесват снимките ми – оттам, по закона за големите числа, и славата ми.
А що се отнася до „хубавото“ и „как да живеем“, както всеки медал, има две страни. Тъй като съм в публичното пространство, ми се налага да гледам много снимки, повечето от които лоши. И не само да ги разгледам, но и да кажа нещо за тях, да обясня, защото хората идват при мен за съвет, помощ и оценка. Това е изтощително и притъпява погледа. В същото време популярността ми позволява да решавам много проблеми с по-малко усилия и енергия. Независимо дали става дума за преговори с купувачи или за преговори с държавни служители за изложби.
– Как да се издигнете като артист?
– Много зависи от началните условия: семейство, социален кръг, място на раждане и т.н. Роден съм, както се казва, в „обикновено“ семейство. Родителите ми са селски деца. Баща ми стана автомеханик, а майка ми – медицинска сестра. Така че социалният кръг на моите роднини не ме насърчаваше да се занимавам с творчество. Но те ме научиха да работя здраво. Като млад, освен фотографията, научих много занаяти. Методичната работа винаги не ме е интересувала и във всеки занаят съм измислял нещо и съм проявявал творчество. Когато фотографията излезе на преден план в живота ми, осъзнах, че не мога да науча изкуствата, нито занаятите, без да променя социалния си кръг работех като металург във фабрика . Тогава, в началото на 70-те години., Присъединих се към един от най-добрите фотографски клубове в страната по онова време – клубът „Дворец на културата“ VDK във Виборг. Това беше първата стъпка. По-късно, когато вече работех като занаятчийски фотограф в една фабрика, се занимавах с хуманитарно самообразование. Още една стъпка: през 1987 г. се присъединих към фотографския клуб „Огледало“, където по това време атмосферата процъфтяваше от творчество. И тогава имах късмет: запознах се и се сприятелих с чудесния художник и полимат Павел Потехин. С това завърших образованието си по изкуство.
Убеден съм, че титлата „художник“ не може да бъде самоцелна. Във всички времена и при всички поколения фотографи е имало такива, чиито творби са изпадали в немилост. Съвременниците им ги наричат художници, за да ги разграничат от масите. Някъде съм казвал, че когато правех изложби и чувах от посетителите на моето пространство: „Ето го художника“, нервно се оглеждах, за да видя за кого говори? Оказа се, че става дума за мен. Беше много непознато. Това е заглавие, което в днешно време е много компрометирано. Многобройни колежи и други учебни заведения обучават художници едновременно с инженери и учители в средните училища. И много хора, които са взели фотоапарат, веднага си поръчват визитна картичка, на която пише, че собственикът му е фотограф и художник. Не искам да се присъединявам към редиците. Имам чувството, че това не е така в наши дни. Терминът „фотограф-художник“ няма по-голямо значение от израза „пътник в трамвай“.
– За да заснемете Санкт Петербург толкова ярко, трябва да го познавате и усещате много добре. Как се оформи визията ви за града??
– Как е създадена? Ще се опитам да ви разкажа, но не си мислете, че това е нарочна задача, която трябваше да изпълня като млад човек. Всичко се случи от само себе си. Винаги съм чел много, а за Санкт Петербург много произведения на велики поети и писатели са влезли в съкровищницата на световната литература. Когато гледам този или онзи обект в Санкт Петербург – площад, улица, сграда и т.н. д., Вече знаех нещо за тях от литературата. Но винаги съм искала да знам повече – биографията на обекта, който ме интересуваше: кои са родителите му, кога е роден, кое е времето? За да задоволя това любопитство, трябваше да изучавам историята на Петербург, а заради нея и историята като цяло; историята на петербургската архитектура и архитектурата като цяло; биографиите на художници и известни жители, а оттам и географията. Отделно иконографията на Санкт Петербург, а оттам и историята на изобразителното изкуство. Има цял комплекс, не мога да изброя всичко. За мен едно нещо е сигурно: Градът формира мен и моята визия. Може би съм избрал да направя нещо. И аз съм му задължен. Не знам как е, но за разлика от много мои приятели сънародници, аз не отивам на барикадите в борбата срещу това или онова нововъведение в Санкт Петербург. Знам, че един „гений на мястото“ може да се справи с всичко, което не му харесва, но с останалото Бог ще се справи. Струва ми се, че съм живял в този град повече от триста години и знам, че никакви тактически намеси не могат да променят стратегията му. Градът е наш собственик, а не ние него!
Документирайки града си, никога не съм се замислял да продавам снимките си и почти никога не съм снимал по поръчка. Винаги съм бил клиент. Изкарвах прехраната си с приложна фотография, но се издържах от приложна фотография. Мисля, че това се отрази на снимките ми.
– Можете ли да назовете картините, с които наистина започва художникът Александър Китаев?
– Знаеш, че работя в различни жанрове? Спомням си много добре една снимка, след която си казах: сега можеш да снимаш Санкт Петербург. Това означава, че осъзнах, че усещането за Санкт Петербург, което живееше в мен, успях да въплътя в изображението лист. Беше около 1982 г., след повече от десет години фотография. Тогава усетих в себе си – а околните още не можеха да го видят – че започва да се заражда нещо, което по-късно ще бъде наречено от критиците „Китаевски Петербург“. В другите жанрове нещата са приблизително същите. Само че когато започнах да се занимавам с фотограметрия около 1989 г. , веднага започнах да правя нещо, което беше много различно от това, което моите предшественици бяха правили в този жанр.
Йосиф Бродски веднъж обясни на учениците, че творчеството на поета винаги е в процес на разработка, селекция и че поетът е нещо като Херкулес. Неговите подвизи са неговите стихове. Невъзможно е да разберем какво представлява Херкулес с един, два или три подвига. Херкулес е целият на дванадесет. Така е във фотографията: не можете да разберете кариерата или мащаба на фотографа само от една снимка. И не е работа на Херкулес да нарича делата си подвизи..
– Перфектното владеене на композицията е вродено чувство или е резултат от упорит труд и дългогодишен опит??
– Нито. Тук съм съгласен с Томас Ман: „умението, за което човек има вътрешна потребност, се придобива доста бързо“.
Снимането означава да се бомбардира емулсия или матрица с фотони. Тази бомбардировка не винаги е целенасочена. Но трябва да го правите поне на партиди. За да не ударите млякото, трябва да усвоите умението за композиране. Това умение може би е по-лесно и бързо за хората от Санкт Петербург. Жителите на делтата на Нева са заобиколени от удивително хармонично пространство, създадено от първокласни архитекти; музеите в Петербург са пълни с шедьоври на изобразителното изкуство, които дават примери за съвършена композиция. Всичко това от детството волно или неволно възпитава окото. Остава само да се възползвате от това възпитание и да се.
Трябва да отбележа, че т.нар. закони на композицията не са нещо, което веднъж завинаги е открито, проучено и препоръчано за задължително прилагане, гарантиращо успех. Човешкото око става все по-оборудвано, а класическите термини на законите на композицията са формулирани в зародиша на изобразителното изкуство, когато те все още са били съвсем прости инструменти. „Тонална и линейна перспектива, ритъм, сюжет и композиционен център, разнообразие и др. п. – Не, не е. Но съвременните художници използват свръхширокоъгълни или свръхдългофокусни обективи, снимат на инфрачервен филм или надничат в невидимото с рентгенови лъчи и т.н. д. Всичко това разчупва обичайните представи за пространство и предмет, като ни подтиква да се отнасяме творчески към правилата на композицията, да ги адаптираме към съвременното човешко виждане. Според мен законите на композицията винаги се появяват след като творбата е завършена. Един художник създава съвършено произведение на изкуството, като слуша нещо отвисоко, а не като чете учебник. Появява се теоретик, който разгражда образа на неговите компоненти, претегля ги, докосва ги, измерва ги и ги подрежда по различни начини. След това той пише рецепти за получаване на шедьоври.
– Постоянният стремеж към съвършенство е преследване на нещо невъзможно и непостижимо?
– Не, не е! Просто желанието да постигнете максималния възможен. В мен има камертон и когато се вслушам в него, знам дали съм го постигнал, или не. Това, както и всяко друго изкуство, има два аспекта: техника и самото изкуство.
Що се отнася до техниката, тя е следната. Знаеш, че все още работя в областта на сребърните технологии? И за разлика от цифровия, цифровия, не ви позволява да направите крачка назад. Целият сребърен фотографски процес, със задължителния многоетапен и немоментален цикъл на обработка на изображенията, задава определен ритъм на живот. Сребристият 35-милиметров филм е висок само пет фута. Но всеки път, когато имаш работа с нея, падаш на колене пред нея. Трябва да го експонирате правилно и не можете да „почистите“ филма и да го експонирате отново. Не можете да разработвате и да не поправяте, да поправяте и да не перете, да перете и да не сушите и т.н. д. Това е дисциплиниране. Това задължава и принуждава човека да се движи само напред, към идеалния, съвършен негатив, защото вторият етап ще включва създаването на не по-малко съвършен отпечатък-положителен. А там има много тънкости, отговорности и капани. Ето един пример. Работата с естествена хартия винаги изисква две ръце. Всеки графичен артист знае това. Графичните художници са тези, които винаги са усещали, а и аз бях научен да усещам хартията, нейната текстура и плътност, поведението ѝ в надлъжна и напречна посока. Винаги сте ценили тактилното общуване. И колко оскърбително за тях, а после и за мен, беше небрежното боравене с работата върху хартията! Появява се определен купувач, който взема лист с една ръка – това е всичко, разбивка гарантирана! Да не говорим за пръстовите отпечатъци… Веднага виждаш, че си аматьор с джоб, пълен с банкноти.
Това е едната страна на въпроса. Другата е, че фотографът, който иска да бъде креативен, трябва да изстисква малко по малко от себе си лабораторния асистент. Колко много мои колеги смятат, че перфектният отпечатък е произведение на изкуството, забравяйки, че произведението е не толкова продукт, колкото послание. Технологията за обработка на изображенията днес е толкова добра, че сме изцяло заобиколени от технически издържани фотографски изображения. Но ако изобразяват или отразяват нещо, то е най-вече доста примитивният вътрешен свят на твореца. И не дават нищо на душата или сърцето на изтънчения зрител. Тук отново ще си позволя да цитирам Бродски: „Един от основните проблеми, с които се сблъсква един поет днес, независимо дали е модерен или не, е, че поезията, която го е предшествала – с други думи, наследството – е толкова огромна, че просто възниква въпросът дали можеш да добавиш към нея, да промениш предшествениците си или да останеш сам. …Да мислиш, че си способен да кажеш нещо качествено ново след хора като Цветаева, Ахматова, Одън, Пастернак, Манделщам, Фрост, Елиът.., – е да бъдеш много арогантен или много невеж. Аз бих се причислил към последната категория. Когато започвате да пишете, не знаете много за това, което е било преди вас. Едва в средата на живота си придобивате това знание и то ви приковава към земята или ви хипнотизира.
– Когато оценявате собствената си работа, се доверявате само на себе си?
– През последните години се опитвам да слушам само себе си. Вече говорих за вътрешния камертон. С мен не е много в унисон, а ти не искаш да танцуваш по чужда мелодия. Дори не знам какво още може да се добави.
Но невинаги трябва да слушате себе си. Нека ви разкажа една история. Когато работех като фотограф в корабостроителница, ме дразнеха производствените поръчки, които ме принуждаваха да правя копия на приложни фотографии върху скъпоценна сребърна фотографска хартия. Помислих си, че бих могъл да оползотворя по-добре всеки такъв лист хартия: да отпечатам върху него художествено произведение или дори „неталетен“. Особено дразнещо беше, когато ставаше дума за веригите на подводница или надводен кораб. В края на краищата вече имаше фотокопирни машини и фотокопирни машини – по-бързи и по-евтини. Но не! Исканията на моряците бяха неизменни: само сребърни отпечатъци! Започнах да проучвам и се оказа, че в агресивна среда само добрата стара сребърна технология запазва изображението и по този начин помага за спасяването на екипажа в беда. Когато става дума за хора, оцеляващи в екстремни ситуации, как може да се спори?? Какви са моите артистични амбиции в сравнение с живота на хората??
– Как се развиха отношенията с колегите ви, имаше ли желание за признание??
– На различни етапи и по различни начини. Някога със сигурност е било важно да получиш признание от колегите си. И затова. Съветските историци пишат например за фотографите от дореволюционна България: „Изкуството на Дмитриев се развива в трудните условия на царското време“. Сега често се казва, че този или онзи човек е израснал в непоносимите условия на „съветската държава“. За фотографите тежките условия се усложняват от абсолютното непризнаване на фотографията сред изкуствата от страна на съветските институции. Но ние, фотографите, мислим друго! Освен това работехме в информационен вакуум и знаехме и виждахме много малко от работата на чуждестранните ни колеги, както предшественици, така и съвременници. Ето защо трябваше да се учим един от друг. Нямаше други специалисти! Това е особеност на местната фотографска общност. Спомням си потока от галеристи, куратори и художествени критици от Запада, които се втурнаха в страната ни след Перестройката, опитвайки се да разберат за нашата съвременна фотография от Българските си колеги. Те бяха смаяни: „Какво? Фотография? Има ли такива художници??“. С други думи, фотографията, както и сексът, не съществуват в съветската страна..
После дойдоха други времена, други връзки. Някак неусетно до мен достигна признанието на моите колеги. От собствен опит знам колко е трудно да се запази чистотата на възприятието и оценката на работата на стари приятели и познати. Искам разстояние. Тогава поне малко прилича на възприятие по абсолютна стойност.
Петербург. 2005 г.
Дървета. 1992 г.
устие на улица Садовая.1995 г.
Автопортрет с деца. 1995 г.
Март. 2008 г.
Обходен канал. 1995 г.
Мостът Пикалов. 2003 г.
Какви са особеностите на Санкт Петербург, които правят града непостижим за Александър Китаев?